„La Notte“ / „Il cardelino“ (2 Flöten)
SYRINX STUDIO-EDITION
Syrinx Nr. 98
Antonio Vivaldi
KONZERTE
„La Notte“ op. 10 Nr. 2 (RV 439)
„Il Cardelino“ op. 10 Nr. 3 (RV 428)
für Flöte, Streicher und B. c.
Fassung für zwei Flöten von Richard Müller-Dombois
Hans-Jörg Wegner zugeeignet
2 Flöten (Spielpartitur)
17.– €
Antonio (Lucio) Vivaldi (1678 Venedig – 1741 Wien)
Violinschüler seines Vaters, der Geiger des Orchesters der Basilica di San Marco war. Wegen seiner roten Haare und seinem Status als (allerdings vom Kirchendienst befreiter) Priester von seinen Zeitgenossen oft als „il prete rosso“ bezeichnet.
Vivaldi hat das barocke Solokonzert auf seinen klassisch-gültigen Höhepunkt geführt und ist somit bedeutungs-mäßig seinem älteren Zeitgenossen Arcangelo Corelli (1653–1713) vergleichbar, dem die gleichen Verdienste bezüglich der Ausformung des Concerto grosso und der beiden Sonatentypen (da chiesa and da camera) zuzuschreiben sind. Seit 1703 Geigenlehrer am venezianischen Ospedale della Pietà. Später auch Leiter des Orchesters dieses Konservatoriums, das durchweg aus jungen Mädchen bestand und für das er die meisten seiner Instrumentalwerke schrieb. Der unter seiner Leitung erreichte Leistungsstandard des Ensembles errang europäischen Ruf. 1713 kam die erste seiner zahlreichen Opern heraus. Zwischenzeitlich unternahm er eine Vielzahl von Auslandsreisen als Komponist und Virtuose.
Nicht zu unterschätzenden Einfluss hatte Vivaldi auf das Instrumentalschaffen (speziell auf die Klaviermusik) Johann Sebastian Bachs, der viele Werke des von ihm hochgeschätzten Italieners bearbeitete bzw. adaptierte vgl. z.B. die Umarbeitung des h-moll-Konzerts für 4 Violinen in das a-moll-Konzert für 4 Cembali BWV1065, welches übrigens neuerdings in einer (nunmehr dritten) Fassung für 4 Flöten (Syrinx Nr.100) vorliegt. Die Vermittlung zwischen Venedig und Köthen bzw. Leipzig erfolgte durch den Dresdner Konzertmeister Johann Georg Pisendel (1687–1755), der nach einem Studienaufenthalt in der Lagunenstadt eine reichhaltige Vivaldi-Pflege der Sächsischen Hofkapelle initiierte.
Werke (heute maßgebliche Katalogisierung durch das Vivaldi-Verzeichnis von Peter Ryom, Kopenhagen 1986) in Auswahl: 46 Opern, 3 Oratorien, 38 Solokantaten, 344 Solokonzerte (davon allein 221 für Violine), 81 Gruppenkonzerte (für 2 bis 10 Soloinstrumente), 61 Sinfonien, 93 Sonaten und Trios. Unter den Konzerten finden sich solche f r und mit Blfl., Flautino (3), Fl., Ob., Cl. (nur in Gruppenkonzerten), Fg. (38), Trp., Cor., Vla.d amore, Vlc. und Mandoline. Insgesamt 770 opera.
Die Konzerte g-moll „La Notte“ und D-Dur „Il Cardellino“ gehören zu der Opus-Reihe 10, die insgesamt 6 Konzerte umfasst.
Von beiden Werken existieren in der Turiner Nationalbibliothek befindliche Alternativ-Fassungen: von „La Notte“ eine Version mit obligatem Fagott, jedoch ohne Viola, von „Il Cardellino“ eine solche mit Oboe und Fagott, ebenfalls ohne Viola. Die auch inhaltlichen Abweichungen sind stellenweise nicht unerheblich.
Beide Konzerte, sowohl das düstere Nachtstück mit der Vision seiner phantastischen Traumgebilde wie auch die muntere Darstellung einer Voliere mit ihren zwitschernden Vogelstimmen, gehören zum festen Repertoirebestand und sind für jeden Flötisten eine unabweisbare und zugleich dankbare Gestaltungsaufgabe.
„Il Cardellino“ erschien 1998 als Band II der HOHEN SCHULE DES RHYTHMUS, mit vielen aufführungspraktischen Hinweisen versehen, in einer Fassung für 3 Flöten im Syrinx-Verlag. Auch hier wurde der Le Cene-Erstdruck zugrunde gelegt, darüber hinaus die Solostimme zusätzlich als Faksimile-Druck wiedergegeben.
Dr. Richard Müller-Dombois
Antonio (Lucio) Vivaldi (1678 Venice – 1741 Vienna)
Violin pupil of his father, who was violinist at St. Marco. He often was called as “il prete rosso” by his contemporaries because of his red hair and his status as a (though freed from the church service) priest.
Vivaldi has led the baroque solo concerto to its classical valid climax and is therefore significantly comparable with his elder contemporary Arcangelo Corelli (1653–1713), whom the same merit can be ascribed to concerning the forming of the concerto grosso and the two sonata types (da chiesa and da camera).
Since 1703 violin teacher at the Venetian ospedale della pietà. Later leader of the orchestra of this conservatory too, which consisted purely out of young girls and for that he wrote the most of his instrumental works. The performance standard of this ensemble under his leadership reached European reputation. The first of his numerous stage works came out 1713. In the meantime, he made a multitude of journeys abroad as a composer and virtuoso.
Vivaldi had a not to be underestimated influence on the instrumental work (especially on the harpsichord music) of Johann Sebastian Bach, who arranged and adapted many works of the by him highly estimated Italian (compare for example the adaption of the B minor concerto for 4 violins to the A minor concerto for four harpsichords BWV 1065, which is by the way recently available in a new – now third – version for four flutes/ Syrinx No. 100).
The mediation between Venice and Köthen resp. Leipzig was made by the concertmaster Johann Georg Pisendel (1687-1755) from Dresden, who initiated an intensive Vivaldi-caring of the Saxonian court chapel after a study visit in the laguna city.
Works (today decisive cataloging due to the Vivaldi register by Peter Ryom, Copenhagen 1986) in selection: 46 operas, 3 oratorios, 38 solo cantatas; 344 solo concertos (alone 221 for the violin) ; 81 group concertos (for two to ten solo instruments); 61 symphonies; 93 sonatas and trios. Among the concertos such for and with Recorder, Flautino (Piccolo, 3), Fl. Ob. Cl. (only in group concertos), Fg. (38), Trp., Cor., Vla. d amore, Mandoline and Vlc. All in all 770 works.
The concertos in G minor “La Notte” and D major
“Il Cardellino” belong to the opus series no. 10, which contains altogether 6 concertos. In the Turinian national library alternative versions are existing from both works: from “La Notte” a version with obligatory bassoon however without viola, from “Il Cardellino” one with oboe and bassoon also without viola. The also as regards content differences are in places not insignificant.
Both concertos, the sombre night piece with the vision of the phantastic dream figures as well as the lively description of a voliere with its twittering bird voices, belong to the regular repertory and are an irrefutable and at the same time rewarding task for every flutist.
“Il Cardellino” was published in 1998 as Volume II of the HOHE SCHULE DES RHYTHMUS, provided with many practical tips for the performance, in a version for 3 flutes in the Syrinx publishing house/ Syrinx No. 59. Even here the Le Cene first print formed the basis, moreover the solo part was additionally reproduced as facsimile print.
Dr. Richard Müller-Dombois
Zur Edition
Der Gedanke, die wichtigsten Werke für Flöte mit Orchester-begleitung in eine Fassung für zwei Flöten zu übertragen, entspringt einer innovativen pädagogischen Grundidee:
Bei der Einstudierung des Soloparts soll von vornherein, und zwar lange bevor das Klavier und später das Orchester hinzutritt, das strukturbestimmende rhythmische und harmonische Geflecht des Satzgefüges präsent und jederzeit mit Auge und Ohr nachvollziehbar sein. Der Lernende hat hierdurch die Chance, das Werk von Anfang an als einheitliches Ganzes kennenzulernen, wobei ihm der Lehrer jederzeit aktive Hilfestellung geben kann und umso bereitwilliger geben wird, als er bisher nur singend, gestikulierend, gelegentlich vorspielend und erklärend „danebenstehen“ konnte.
Zu diesem Vorteil einer interaktiv-motivierenden Einstudierung kommt der Vorteil einer großen Zeitersparnis: der Pianist – sofern man ihn gefunden und überredet hat – wird nicht mehr als Korrepetitor „missbraucht“, und man kann sehr lange ohne ihn auskommen, um ihm schließlich eine weitestgehend fertige, vor allem aber in allen Einzelheiten „durchgehörte“ solistische Leistung anzubieten, die ihn veranlassen wird, nun auch seinerseits zu arbeiten und sein Bestes zu geben.
Entscheidend ist letztendlich das frühzeitige Vordringen des melodieführenden Solisten zum Wesenskern „seines“ Konzerts und damit zu einer gleichgewichtigen Balance der drei Hauptfaktoren Melodie, Harmonie und Rhythmus, die ihn ohne weiteres instand setzt, im Fall der meist kürzestbemessenen Probenzeit auch dem Orchester bestvorbereitet und souverän gegenüberzutreten.
Detmold, im Sommer 2001
Dr. Richard Müller-Dombois
The series
The arrangement for two flutes of major works for flute and orchestra is the fruit of a new pedagogical concept. Any flautist, when studying the solo part of a concerto, must have the rhythmic and harmonic structure of the work as a whole in mind, well before working with a pianist or the orchestra, so as to take in the work in its entirety. When the accompaniment is provided by another flute, the teacher can take an active part, and will no doubt be keen to do so, since the previous alternative would have been to sing, whistle, gesticulate or explain the orchestral part in words.
Not only is this new method more stimulating and interactive, but it also has the advantage of saving time, for the pianist (if one should be fortunate enough to find one) no longer has to act as a coach. The flautist will thus be able to learn the solo part more thoroughly, with a better idea of the orchestral part, even in detail, before working with the pianist who will thus also be motivated to give of his or her best.
The soloist, whose part dominates melodically, should aim from the start to reach the kernel of “his” concerto in order to achieve a balance between the rhythm, harmony and melody. By the time of the first rehearsal with orchestra, the work will have been thoroughly prepared and ready to perform, even should the rehearsal, as so often happens, be too short.
Although the flautist should obviously play from the solo part, the two-flute version should be kept to hand so that the player will be able to keep an eye on the musical context of the part and, if necessary, ask the teacher or another student to play with him.
Detmold, summer 2001
Dr. Richard Müller-Dombois
À l´édition
L´idée d´arranger pour deux flûtes les œuvres majeures pour flûte et orchestre découle d´un concept pédagogique innovant : lors de l´étude de la partie soliste, le flûtiste doit avoir sous les yeux et à l´oreille la structure rythmique et harmonique de l´œuvre dans son ensemble, et ce bien avant que n´entre en jeu le pianiste ou l´orchestre. L´œuvre est ainsi appréhendé dès le début comme une entité. Le professeur peut participer activement à cette approche et le fera d´autant plus volontiers qu´il était, jusque-là, réduit à chanter, à expliquer par le geste ou la parole.
Cette façon d´étudier plus motivante et interactive offre en outre l´avantage d´un précieux gain de temps. Le pianiste (en admettant qu´on en ait trouvé un) ne se cantonne plus seulement au rôle de répétiteur. Le flûtiste peut se passer le lui assez longtemps, le temps de pouvoir présenter une exécution de la partie soliste sûre et surtout «entendue» jusque dans les moindres détails, ce qui motivera le pianiste à donner, lui aussi, le meilleur de lui-même.
Le soliste, dont la partie domine mélodiquement l´œuvre, doit avoir très tôt accès au «cœur» de son concerto pour rétablir ainsi l´équilibre entre rythme, harmonie et mélodie. Ce qui lui permettra d´affronter l´orchestre en toute souveraineté, étant parfaitement préparé, même dans le cas fréquent d´un temps de répétition trop bref. Bien qu´il soit vivement conseillé au soliste de jouer d´après sa partition soliste originale, la version arrangée pour deux flûtes trouvera utilement sa place sur un deuxième pupitre. Ainsi, le flûtiste aura toujours à l´œil le contexte musical de sa partie et pourra, s´il le désire, faire intervenir activement son professeur ou un autre étudiant.
Detmold, été 2001
Dr. Richard Müller-Dombois
All’edizione
L’idea di trasferire le composizioni più importanti per il flauto e orchestra in una versione per due flauti proviene da un nuovo concetto fondamentale pedagogico: Studiando la parte del solo dev’essere presente fin da principio, cioè a lungo prima che si aggiungerà il pianoforte e più tardi l´orchestra, l´intrecciatura ritmica e armonica che determina la struttura dell´opera e sempre possa avere luogo con l´occhio e con l´orecchio. L´apprendista ha in questo modo la possibilità di conoscere il suo brano fin da principio come una totalità indivisa presso alla quale l´insegnante gli può dare ognora l´appoggio attivo e tanto darò più volentieri quanto lui finora solamente cantando, gesticolando e all´occasione suonando e dichiarando poteva “stare accanto”.
A questo vantaggio di uno studio interattivo e motivando viene il vantaggio di un enorme risparmio di tempo: il pianista – per quanto che lo ha trovato e persuaso – non viene più “abusato” come un ripetitore e si può fare assai lungo senza di lui, per gli offrire alla fine un´ampiamente pronta prestazione solistica, la quale innanzi tutto è “udito attraverso” in tutte le particolarità che verrà cagionare adesso anche lui di lavorare da parte sua e di dare il suo meglio.
Decisivo è alla fine il precoce avanzata del solista all´essenza del “suo” concerto e di bilicare con ciò i tre elementi costituenti melodia, armonia e ritmo. Viene in questo modo messo in grado senz´altro nell´occasione di per lo più brevissimo limitato tempo per le audizioni anche benissimo preparato e sovrano si mettere di fronte all´orchestra.
Anche se l´apprendista suona ulteriormente da sua parte originale che viene raccomandato qui esplicitamente, dovrebbe avere la partiture per le due voci su un secondo leggio allo scopo di tenere d´occhio il contesto e oltracciò avere sempre la possibilità di invitare alla sonante collaborazione o l´insegnante o anche uno di suoi commilitoni.
Detmold, estate 2001
Dr. Richard Müller-Dombois
A la edición
La idea de arreglar para dos flautas las grandes obras para flauta y orquesta nace de un concepto pedagógico innovador : cuando el solista de flauto estudia su partitura necesita tener a la vista y llevar en el oído la estructura rítmica y armónica de la obra en conjunto, antes de que entre en juego el pianista o la orquesta, lo que lleva consigo una aprehensión inicial de la obra como una entidad. El profesor puede participar activamente en esta introducción, y lo hará tanto más gustoso cuanto que hasta entonces tenía que limitarse a cantar con gestos o palabras.
Esta manera de estudiar más estimulante e interactiva presenta además la ventaja de hacer ganar un tiempo precioso: el pianista (suponiendo que se haya encontrado uno) ya non sirve únicamente de repetidor. El flautista puede prescindir de él en una primera fase, hasta que presentar una ejecución de la partitura lo bastante segura, y sobre todo “oída” hasta los más mínimos detalles, lo que animará al pianista a poner de su parte lo mejor de sí mismo.
El solista, cuya partitura domina melódicamente la obra, debe tener acceso desde el principio al “meollo” de su concierto, para restablecer así el equilibrio entre ritmo, armonía y melodía. Esto le permitirá encontrarse con la orquesta “mano a mano”, estando perfectamente preparado, incluso cuando los ensayos, come sucede con frecuencia, son demasiado breves.
Aunque se aconseja encarecidamente al solista que trabaje a partir le la partitura original, la versión arreglada para dos flautas tendrá su major utilidad en el segundo pupitre, de modo que el solista tendrá siempre a la vista el contexto musical de su parte y, si lo desea, podrá solicitar la intervención del profesor o de otro alumno.
Detmold, verano 2001
Dr. Richard Müller-Dombois